Nació como una danza popular en Alemania y Austria a finales del siglo XVIII y pronto se convirtió en una pequeña revolución social. Por primera vez, las parejas bailaban abrazadas y giraban al ritmo de una música de tres tiempos. Aquello que inicialmente escandalizó a los moralistas terminaría conquistando los salones de toda Europa.

En esta entrega de Melodía infinita, María del Mar Pérez Marañón e Ignacio Fernández Bargues recorren la historia del vals, desde sus orígenes hasta su transformación en una de las formas musicales más versátiles y expresivas de la música occidental.

De Mozart a Johann y Josef Strauss, de Chopin a Berlioz y Chaikovski, de Saint-Saëns y Sibelius a Ravel, descubrimos cómo el vals fue mucho más allá de su función como música de baile. Elegancia, alegría, nostalgia, fantasía e incluso la muerte encuentran su expresión en ese inconfundible movimiento de tres tiempos.

Fragmentos musicales e intérpretes

Por orden de aparición:

1. Wolfgang Amadeus Mozart: Danza alemana en do mayor, K. 605 n.º 3, «Paseo en trineo». Philharmonia Orchestra, dirigida por Igor Markevitch (1954).
2. Johann Strauss hijo: El bello Danubio azul, op. 314. Orquesta Filarmónica de Viena, dirigida por Herbert von Karajan (1946).
3. Frédéric Chopin: Vals en do sostenido menor, op. 64 n.º 2. Dinu Lipatti, piano (1950).
4. Hector Berlioz: Danza de las sílfides, de La condenación de Fausto. Philharmonia Orchestra, dirigida por Igor Markevitch (1954).
5. Josef Strauss: Delirien (Vals de los delirios), op. 212. Orquesta Filarmónica de Viena, dirigida por Herbert von Karajan (1949).
6. Piotr Ilich Chaikovski: Vals de La bella durmiente. Philharmonia Orchestra, dirigida por Herbert von Karajan (1952).
7. Camille Saint-Saëns: Danza macabra, op. 40. Philharmonia Orchestra, dirigida por Igor Markevitch (1954).
8. Jean Sibelius: Vals triste, op. 44 n.º 1. Philharmonia Orchestra, dirigida por Igor Markevitch (1954).
9. Maurice Ravel: La valse. Orquesta de la Sociedad de Conciertos del Conservatorio de París, dirigida por Ernest Ansermet (1954).

Las cuatro interpretaciones de Igor Markevitch proceden del álbum A Portrait of the Waltz, grabado en 1954 y publicado en 1955.

Apertura. Richard Wagner: El ocaso de los dioses, «Starke Scheite schichtet mir dort», de la escena de la inmolación de Brünnhilde. Kirsten Flagstad y Orquesta Philharmonia. Dirección: Wilhelm Furtwängler (1952).

Cierre. Wolfgang Amadeus Mozart: La flauta mágica, coro final, «Die Schönheit und Weisheit». Coro de la Ópera Estatal de Viena y Orquesta Filarmónica de Viena. Dirección: Karl Böhm (1955).

Presentación y realización

María del Mar Pérez Marañón e Ignacio Fernández Bargues

Hay obras que pertenecen al repertorio clásico y otras que han conseguido escapar de él. El Boléro de Maurice Ravel forma parte de ese pequeño grupo: casi todo el mundo lo conoce, aunque no siempre sepa ponerle nombre.

En esta entrega de Melodía infinita recorremos la vida y la personalidad musical de Ravel, su profunda relación con España y la génesis de una obra nacida casi como un experimento. Distinguimos el bolero español del posterior bolero hispanoamericano y descubrimos cómo dos melodías, un ritmo obstinado, una tonalidad y un inmenso crescendo bastan para construir una de las páginas más reconocibles del siglo XX.

Seguimos las sucesivas entradas de los instrumentos, los colores relacionados con el jazz, la transformación del timbre y la sorprendente ruptura final de las reglas. También hablamos de Ernest Ansermet y de la histórica Orquesta de la Sociedad de Conciertos del Conservatorio de París, protagonistas de la grabación de 1954 que escuchamos íntegramente.

Grabación utilizada

Maurice Ravel: Boléro. Orquesta de la Sociedad de Conciertos del Conservatorio de París; Ernest Ansermet, director (1954).

Grabaciones recomendadas

Audio: Orquesta de París; Jean Martinon, director (1974).

Vídeo: Orquesta del West-Eastern Divan; Daniel Barenboim, director (2014).

Abrimos la tercera temporada de Melodía infinita con Turandot, la última ópera de Puccini, estrenada en La Scala el 25 de abril de 1926. En su centenario, recorremos sus grandes escenas y nos preguntamos por qué ninguna ópera posterior ha alcanzado una presencia comparable en el repertorio universal.

Del misterio de la princesa y el desafío del príncipe desconocido a la entrega de Liù, seguimos un drama en el que conviven la crueldad, el deseo y la compasión. Escuchamos la riqueza de una música que mira hacia el futuro y nos detenemos en el final que Puccini no pudo completar, la intervención de Alfano y el estreno dirigido por Toscanini, con Miguel Fleta. La reflexión queda abierta: después de 1926 nacieron grandes óperas y obras de concierto plenamente incorporadas al repertorio. ¿Qué hace distinta la historia de la ópera?

Fragmentos musicales

Todos los fragmentos de Turandot proceden de la grabación dirigida por Alberto Erede con el Coro y la Orquesta de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Roma (1955).

1. «Signore, ascolta!» (acto I). Renata Tebaldi.

2. «Non piangere, Liù» y final del acto I. Mario del Monaco, Renata Tebaldi, Nicola Zaccaria, Fernando Corena, Mario Carlin, Renato Ercolani y coro.

3. «In questa reggia» (acto II). Inge Borkh y Mario del Monaco.

4. Tercer acertijo, «Gelo che ti dà foco», y aclamación «Gloria, gloria, o vincitore!» (acto II). Inge Borkh, Mario del Monaco y coro.

5. «Nessun dorma» (acto III). Mario del Monaco y coro.

6. Escena de Liù: «Chi pose tanta forza nel tuo cuore?» / «Principessa, l’amore!» y «Tu che di gel sei cinta» (acto III). Renata Tebaldi, Inge Borkh, Fernando Corena, Mario del Monaco y coro.

Grabaciones recomendadas

Audio. En pocas óperas resulta tan clara la elección de una grabación de referencia como en Turandot: Joan Sutherland (Turandot), Luciano Pavarotti (Calaf), Montserrat Caballé (Liù) y Nicolai Ghiaurov (Timur). Coro John Alldis y Orquesta Filarmónica de Londres. Dirección: Zubin Mehta (Decca, 1972).

Vídeo. La elección es mucho menos rotunda, pero proponemos la producción del Metropolitan de Nueva York con Eva Marton (Turandot), Plácido Domingo (Calaf), Leona Mitchell (Liù) y Paul Plishka (Timur). Coro y Orquesta del Metropolitan. Dirección musical: James Levine. Puesta en escena: Franco Zeffirelli (1987).

Música de apertura y cierre

Apertura. Richard Wagner: El ocaso de los dioses, «Starke Scheite schichtet mir dort», de la escena de la inmolación de Brünnhilde. Kirsten Flagstad y Orquesta Philharmonia. Dirección: Wilhelm Furtwängler (1952).

Cierre. Wolfgang Amadeus Mozart: La flauta mágica, coro final, «Die Schönheit und Weisheit». Coro de la Ópera Estatal de Viena y Orquesta Filarmónica de Viena. Dirección: Karl Böhm (1955).

Melodía infinita, con Ignacio Fernández Bargues y María del Mar Pérez Marañón. Una nueva entrega cada dos semanas.